Historia

ARTE “FUNK”

A fines de los años ´50, los trabajos de varios artistas en California como Bruce Conner, George Herms y Ed Kienholz, fueron descritas como “funky”- de mal olor, según la expresión en inglés.  Este término se refería a una característica de los materiales que utilizaban: basura, desechos; o como lo describía Kienholz, “los restos de la experiencia humana”. Los artistas “funk”expresaban una reacción a las inaceptables, monumentales y abstractas cualidades de muchos Expresionistas Abstractos. Ellos se enfocaban en reinstaurar una medida de realismo y responsabilidad social en la escena artística contemporánea.

Kienholz, Conner, Paul Thek, Lucas Samaras y el artista británico Colin Self usaron tácticas chocantes para resaltar temas usualmente ignorados como el aborto, la violencia, enfermedades mentales, miedo a la enfermedad, a envejecer y a la muerte, la guerra, y la violación a las mujeres.

Su trabajo conllevaba la tradición de la crítica social y la protesta de los Realistas Socialistas y los Realistas Mágicos de los años ´30, cruzado con el Neo-Dadá y el Arte “Beat”. Mientras que los artistas de todos estos movimientos compartían la creencia en que el arte debe ser y ser parte de la realidad y no un escape de ella; el arte “funk” mostraba un mayor atropello moral que la mayoría del trabajo de los Neo-dadaistas y además esta desprovisto de la dimensión espiritual o mística de los artistas “beat”.

Conner y Kienholz, en particular, se confrontaban a los temas socio-políticos con una actitud furiosa y confrontadora. Los ensamblajes de Conner que contenían ropa desecha, muebles destruidos y adornos rotos reflejaban vidas perdidas convertidas en arte. La obra titulada “Roxy´s” ataca la misoginia  y a la hipocresía moral. Una recreación a grande escala de un reconocido burdel de Las Vegas como estaba en1942, conteniendo muebles hechos de mujeres, y mujeres hechas de huesos de animales; describe a las mujeres como amantes, objetos, comodidades, victimas, animales y predadoras. En “The Portable War Memorial” (El Memorial de Guerra Portátil) (1963), Kienholz presenta el horrible hecho de que la guerra se ha vuelto parte de la vida cotidiana y de que estamos rodeados por una infinidad de “memoriales de guerra” que ya no nos afecta, no mueven nuestros pensamientos ni nuestras acciones. Es precisamente a estos “espectadores inamovibles” al los que el Arte “Funk” desea llegar.

Durante los años `60 el Arte “Funk” tambien vino a referirse a otro grupo de artistas, de los cuales la mayoria estaba establecida en San Francisco, incluyendo a Robert Arneson, William T. Wiley, David Gilhooly, y Viola Frey. Su vision era menos oscura y mas humoristica, algo asi como un hibrido entre el  Pop y el Funk. Muchos de los artistas trabajaban con ceramicas, fusionando las artes con las artesanias y lidiaba con juegos visuales y verbales.

Varios artistas británicos actuales como Jake and Dinos Chapman, Sarah Lucas y Damien Hirst también apuntan hacia temas como la inhumanidad, la muerte y el concepto de la mujer como objeto, que expresan a través de ensamblajes grotescos y macabros. “Hell” (Infierno) de los hermanos Chapman,“Bunny” (Conejita) de Lucas y “A Thousand Years” (Mil Años) de Hirst; son tres ejemplos que parecen mezclar la critica social de Conner y Kienholz con el humor negro del tardío arte “funk” de Arneson y Frey.

ORIGEN E HISTORIA DEL ENSAMBLAJE EN EL ARTE

Origen del Concepto

“Assemblage” es un proceso artístico en el cual se consigue la tridimensionalidad colocando diferentes objetos no artísticos muy próximos unos a otros. Hay que recalcar que estos objetos de los que se componen estas obras comparten la característica de que no han sido diseñados con fines estéticos sino que han sido redescubiertos por los artistas quienes los incorporan a sus obras, de manera conjunta o de forma individual, para lograr expresar un mensaje o emoción. El “assemblage” es una técnica hermana del collage.

El “collage” es una técnica artística que consiste en ensamblar elementos diversos en un todo unificado. El término se aplica sobre todo a la pintura, pero por extensión se puede referir a cualquier otra manifestación artística, como la música, el cine, la literatura o el videoclip. Viene del francés “coller”, que significa pegar. En pintura, un ‘Kollaje‘ se puede componer enteramente o solo en parte de fotografías, madera, piel, periódicos, revistas, objetos de uso cotidiano, etc.

Aunque se considera que fue Picasso quien inventó el collage en 1912 con su pintura “Naturaleza muerta con silla de rejilla”, está en discusión si fue primero Picasso o Georges Braque.

«Naturaleza Muerta con Rejilla» (1912)

Pablo Picasso

Historia y Evolución

Básicamente, los cubistas en vez de reproducir la apariencia del objeto, esperaban penetrar en lo que Platón (y Picasso) llamaba la “idea” subyacente y lo que Kant llamó “Das Ding an sich”, o la cosa en sí misma. En otras palabras, en lugar de reproducir aspectos más o menos accidentales o parciales de la realidad, aspiraban a representar la misma realidad, heredada de la nueva concepción del tiempo y del espacio planteada por Einstein para la época. La ilusión óptica sería substituida por la “visión real”; la “mentira” de la percepción visual, por la definición de una nueva realidad global.

“Definir una cosa significa poner la definición en su lugar”, decía Braque. Así, la definición de una cosa es la cosa en sí misma. A través del análisis exacto, estos artistas intentaban devolver a la pintura una realidad que se había vuelto tan compleja y ramificada que sólo se podía afirmar por medio de fórmulas. Al hacer tales afirmaciones, el color sólo sería un obstáculo. Introduciría un factor sensual en su arte estricto y lógico, en que revivió algo de rigor filosófico de Kant. “Los sentidos deforman y la mente forma… No hay certeza final de que la mente comprende”, afirmó Braque.

En la búsqueda del color propio y no adulterado de los objetos, el amor fanático de los pintores por la verdad los llevo a imitar las texturas y los colores de los materiales, e incluso a insertar materiales como madera, mármol o papel pintado. Esto daba a la superficie pintada nuevos valores táctiles. Estas obras, “collages y papiers collés”, no tenían una intención irónica ni pretendían despreciar al arte del pasado como el de los dadaístas y surrealistas de un período posterior. Más bien representaban elementos visibles y tangibles de la realidad, “cosas en sí mismas”, que así se introdujeron al arte.

Además, los materiales no estéticos – Braque pronto empezó a utilizar arena, virutas de madera y cordel – ofrecían una oportunidad para conseguir un efecto de profundidad sin recurrir a la perspectiva prohibida, ya que una superficie se puede construir a la manera de un bajo relieve, en que los planos avanzaban o retrocedían sólo por medio del contraste entre sus valores cromáticos o de texturas.

Jean Dubuffet se dedica a triturar los residuos; los transforma en una especie de masa que podrá extender fácilmente sobre una plancha dura. Es preciso escucharlo: “ Utilizaba para eso primero barreduras recogidas en la pieza de costura de mi mujer, ricas en sobras de hilo y en pequeños residuos mezclados con polvo, además también con diversos ingredientes tomados en la cocina tales como fina sal o azúcar en polvo, sémola o tapioca. Algunos elementos vegetales sacados de las legumbres, y que iba a buscar por las mañanas a los Halles en los montones de inmundicias, me fueron a veces de buen provecho. Más tarde, hice también todo tipo de experiencias ayudándome con hojas muertas, puñados de briznas de hierba y otras mil cosas, después de los cual tomé conciencia de que los medios más simples y los más pobres son los más fecundos en sorpresas…Siempre me gustó utilizar solamente los materiales más comunes, aquellos en los que uno no piensa al comienzo porque son demasiado vulgares…mi arte es una empresa de rehabilitación de los valores desacreditados”.

Las posibilidades del collage y de los materiales pobres pronto fueron exploradas por los artistas europeos. Los futuristas italianos, Carrà o Balla, entre ellos, aportaron dinamismo, ruido y ritmo, y lo utilizaron para ensalzar la guerra. Dadá lo enarboló contra la sociedad y la I Guerra Mundial. Obras de Arp, que introdujo el método del azar, Schwitters, Duchamp, Man Ray o Hanna Höch y Grosz, los primeros en utilizar el fotomontaje, representan a ese movimiento. La vanguardia rusa recurrió también a menudo al fotomontaje para su arte al servicio de la revolución y de la nueva sociedad como muestran los de Rodchenko, El Lissitzki, Klutisis o Solomon Telingater. El collage fue asimismo un procedimiento muy adecuado para los surrealistas en sus exploraciones del inconsciente y el azar. Obras de Arp, Miró, Max Ernst, un cadáver exquisito de Breton y Tanguy muestran aplicaciones muy creativas de esa técnica.

«Rueda de Bicicleta» (1913)

Marcel Duchamp

Del collage se depuró un principio previo o técnica cuyo primer creador fue al parecer el dadaísta Marcel Duchamp: el «objeto encontrado» o «ready-made», según la cual cualquier cosa que elige un artista es sacralizada como «arte», desde una piedra que llama su atención en un camino a una imagen que le gusta en una revista. De ahí a la amalgama de «objetos encontrados» o collage hay sólo un paso. En 1936 Max Ernst escribió: “Una realidad de ready-made, cuya ingenuidad da la sensación de haber sido fijada una vez y para siempre (una canoa), al encontrarse en presencia de otra realidad apenas menos absurda (una aspiradora), en un lugar donde ambas han de sentirse necesariamente desplazadas (un bosque), escapará, precisamente gracias a este encuentro, a esa ingenuidad y a su identidad; a través de una serie de valores variables, pasará de ser una absoluta falsedad a convertirse en un valor absoluto nuevo, verdadero y poético: la canoa y la aspiradora harán el amor. Creo que el mecanismo del collage se revela en este ejemplo tan sencillo. La transmutación absoluta, seguida por un acto puro, como el acto del amor, se presentará naturalmente cada vez que se den las condiciones favorables para estos hechos: la unión de dos realidades, en apariencia irreconciliables, en un plano que aparentemente no les resulta apropiado…”Lo que realmente buscaba Duchamp  era salir del arte. Para Duchamp ni el artista, ni su autobiografía, ni sus sentimientos tienen nada que ver con el arte. El arte es lo que se sitúa sobre un pedestal y no sobre la estantería de un comercio. En definitiva, el arte reside en el ojo del espectador. La rueda de bicicleta, el escurridor de botellas  y el urinario eran discursos en contra de la estética, al estilo y a los gustos convencionales, pero esta negación fue se transformaría en una afirmación rotunda para las generaciones venideras, que adoptaron los objetos encontrados como un medio de expresión.Así, Duchamp, con sus ready-made realizó una aportación inconsciente pero fundamental en la historia de la escultura moderna, que, en realidad, abrió una nueva dimensión en la conciencia estética.En 1936 Charles Ratton, organiza la exposición llamada “Surréaliste d´objects” (Objetos Surrealistas), donde presento una visión general del surrealismo en su galería parisina.  En los que se podían apreciar obras “clásicas” como las de Duchamp junto con a objetos de Dalí y Max Ernst, entre otros. Alrededor de 1940, los alemanes entraron en París y los surrealistas emigraron a Nueva York. «Monogram»(1955-1959) Robert Rauschenberg Desde 1960. Una Nueva Identidad. En 1961, se organizó la muestra «The Art of Assemblage» en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. En un principio la exposición  estaba destinada a reflejar la historia del collage, pero para la sorpresa del curador William C. Seitz, muchas de las obras no podían ser clasificadas dentro de las categorías tradicionales del arte: pintura o escultura. El resultado fue la muestra mencionada, dentro de la cual logro reunir 252 ensamblajes de 138 artistas de 20 países. Los integrantes eran una serie de jóvenes artistas europeos como Braque, Dubuffet, Marcel Duchamp, Picasso, y Kurt Schwitters, así como los americanos Man Ray, Joseph Cornell y Robert Rauschenberg. También pudieron tomar parte otros artistas del “assemblage” menos conocidos provenientes de la costa oeste americana como Wallace Berman, Bruce Conner y Edward Kienholz. William C Seitz describió el assemblage como el arte de realizar manufacturas a partir de materiales naturales, objetos o fragmentos desprovistos de calidad artística. Llego a esta conclusión tras notar que las obras compartían dos características físicas en común: Predominaban las obras “ensambladas” más que pintadas, dibujadas, modeladas o talladas. 2. Enteramente o en gran parte, las obras estaban constituidas por elementos provenientes de la naturaleza, materiales manufacturados o fragmentos no destinados como materiales de arte como la tela y la pintura; el papel y el lápiz… William C. Seitz señalo en su introducción al catalogo: “La actual ola de assemblage (…) marca un cambio del arte subjetivo, fluidamente abstracto, hacia una revisada asociación  con el medio ambiente.  El método de yuxtaponer es un vehículo apropiado para expresar sentimientos de desencanto por el resbaladizo idioma internacional en que ha tendido a manifestarse la abstracción libremente articulada y los valores sociales que esta situación refleja.” “Para comprender una sociedad, empiezo  por recorrer las tiendas de baratijas y los mercados de segunda mano. Para mí, es una forma de educación y orientación histórica. Puedo ver el resultado de ideas en los desechos  de una cultura”.Así se expreso en 1970 el artista californiano Edward Kienholz, quien se sirvió de objetos encontrados para crear lienzos de gran crítica social. La confianza que Kienholz deposito en el poder expresivo de las cosas delata una actitud completamente diferente. Las cosas ya no cuestionan el arte ni representan un gesto de rechazo. El ready-made y su descendiente, el assemblage, hicieron explosión  tras 1960 en un enfoque incuestionablemente aceptado. Tras este movimiento se ocultaba una insaciable sed de la realidad inmediata, banal y cotidiana. La mitad de la generación de los artistas comenzó a escarbar en chatarrerías y vertederos, tiendas de baratijas y jugueterías, obras de construcción y supermercados y a desmantelar señales de calles o clavar platos sobre planchas. El principio del ready-made había abierto  sus compuertas, permitiendo a la vida cotidiana penetrar en cascada. Las cosas conservaban su propia vida, su lenguaje, orígenes e historia mientras se fundían con las artes plásticas. «Sin Titulo» (1989) Jannis Kounellis Las Manifestaciones del Ensamblaje El “assemblage” trajo una reconsideración radical de los formatos dentro de los cuales podían operar las artes visuales. Por ejemplo, el “assemblage” daba un punto de partida para dos conceptos que habrían  de ser cada vez más importantes para los artistas: el medio ambiente y el happening, ambos de carácter efímero. Por ejemplo, hacia 1970, aparece uno de los mayores exponentes de lo efímero: el Arte Povera. Se trata de una manifestación antiformalista en la que se tiene en cuenta el valor del concepto y del proceso en tanto que el objeto artístico y aun el arte mismo carecen prácticamente de interés. Desde luego el calificativo de pobre se refiere fundamentalmente al hecho de que la obra utiliza materiales tan simples como humildes. El arte pobre prefiere elementos ofrecidos por la naturaleza: hojarascas, troncos, piedras, residuos…No es del interés de la tendencia pobre llevar a cabo “obras de arte”; tampoco las formas, estéticas o no: su interés se centra preferentemente en los procesos. Y si gustan elegir, aunque no siempre, elementos naturales no es porque se sitúen en una posición románticamente contemplativa de la naturaleza: son los procesos de creación y cambio de la materia los que, al parecer, han llevado a la mayoría de los fieles de la actitud pobre a seleccionar y exhibir. Con facilidad se comprende el carácter fungible y no objetual de la tendencia; de donde se origina su relación con el concepto de lo efímero. Actualmente, se ha venido experimentando, en efecto, otro tipo de arte efímero basado en el empleo de materiales nada durables, ya naturales – arena, nieve, pieles de frutas, etc. – , y artificiales – desperdicios de fabricas, recortes de madera, cajas de cartón.  El arte efímero es una actitud relacionada con el sentido de ligereza y desenfado que ha venido a envolver la vida cotidiana en la sociedad de consumo, y supone un ataque a la idea clásica de la obra como objeto artístico permanente, el mismo que la sociedad de consumo ha convertido en mercancía de gran valor económico.